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[ Artwork Interior ]
[ Artwork details ]
[ Artist ]
Painting & Fabric Artist 김성혜
[ Artist profile ]
홍익대학교 미술대학 공예과 염직전공
34회 개인전
혜화아트센터 특별 기획전
"SONIDO" 그것에 귀를 기우려라.
단체, 그룹전 250여회 이상
아트페어
KIAF, SOAF, SCAF, MANIF 구상대제전, 아트 부산,바마, 대구, 창원, 광주, 덴마크 ,이스탄불, 프랑스,
미국, 상해, 싱가폴, 상하이, 홍콩, 베이징 외
국내·국외 30여회
주요작품소장처
유나이티드 제약회사, 상명대학교, 간호사관학교,
리 미술관, 남해뮤지엄, 천보 중학교,
동성100주년기념관, 동성 고등학교, 동성 중학교
외 개인소장 다수
현재) 한국미술협회 서초지부회원.
[ Review ]
마음속의 울림, Sonido 글 / 오상희 Ph, D. 시각문화학자
Reverberation in the Heart, Sonido By Sanghee Oh, PhD in Visual Culture Studies
Sonido 모더니즘에 대한 단 하나의 정의를 내릴 수 있다면 그것은 ‘새롭다’이다. 예를 들어 르네상스 시대의 미술을 보면 다른 작가의 작품 속에서도 주제, 구도, 화풍, 기법 등에서 일정한 규칙을 발견할 수 있다. 하지만 모더니즘 미술의 경우 작가 별로 천차만별일 뿐만 아니라, 심지어 같은 작가가 이질적인 작품을 창작하는 경우도 있다. 왜냐하면 앞서 말했듯 모더니스트들의 최우선 과제는 기존 예술의 통념과 차별화되는 독자적인 것의 창조였기 때문이다. 이런 관점에서 보면 모더니스트들은 위대한 예술 작품을 만들기보다는 비난 받고 멸시 받고 조롱 받는 쪽을 훨씬 가치 있게 여겼을 것이다.
그럼에도 불구하고 예술가로서의 지위조차 낮은 바닥에 내려놓는 바로 이러한 순수한 정신으로 인해 결국 모더니스트들은 그 어떤 시대 보다 더 고고한 엘리트 예술집단이 되었다는 점은 아이러니하다. 또한 모더니즘의 기점을 19세기 후기인상주의로 가정했을 때 두 세기가 지난 지금 당시 모더니스트들이 했던 전위적인 시도와 파격적인 기법들은 차분한 분석과 관습적인 분류에 의해 하나의 예술사조로 단조롭게 수렴되고 있다는 점도 반성적으로 사고해봐야 한다. 이 지점에서 발생하는 모순은 당시 모더니스트들의 치열한 자기파괴 정신이 희석되고 과거 르네상스 시대 혹은 그 후기의 매너리즘이 그러했듯 모더니즘 자체가 클리셰로 굳어진다는 것이다.
이러한 문제의식 속에서 김성혜의 작품을 살펴본다면 그 안에서 두 가지 모더니즘의 알레고리를 읽어낼 수 있다.
첫째, 결과물로서 추상화로 귀결된 듯 보이지만 사실 김성혜의 초창기 작품은 자연을 그려낸 풍경화였다. 자연물을 캔버스에 담는 행위는 언제나 한계점에 봉착한다. 우리가 자연을 아무리 똑같이 재현하려고 하면 할수록 어떤 뛰어난 테크닉 혹은 테크놀러지로도 소용없게 된다. 이 문제에 대한 우문현답이 바로 추상이다. 자연이 본질이라면 대상의 형태와 색채를 추상화 할 때 보다 온전히 그것을 담아낼 수 있을 것이다.
둘째, 혼합 재료의 사용이다. 이전의 김성혜는 캔버스에 물감으로 작업하는 전통적인 서양화 양식을 따랐었다. 하지만 이제 캔버스는 단지 작품을 고정시키기 위한 장치일 뿐이며, 액자의 상하좌우 구분이 존재하지 않을 수도 있다. 회화와 조각의 경계를 허물어 물감을 반드시 사용할 필요도 없고 재료의 한계도 기법의 한계도 없다.
미학자이자 미술사가인 타타르키비츠(Wladyslaw Tatarkiewicz)가 명명한 ‘대이론(Great Theory)’은 기원전 5세기부터 18세기까지 미학 사상을 일관되게 이끌어온 아름다움의 일정한 공식들이었다. 하지만 이에 대항하여 일어난 취미론 그리고 그것을 극단으로 끌어낸 미적태도론의 소산으로 우리는 마음속에 그 어떤 울림을 주는 모든 것을 미적이라고 선언할 수 있게 되었다. 김성혜의 작품을 보며 이것이 어떤 대상에 대한 묘사인지, 주제가 무엇인지 찾아낼 필요는 없다. 마음속의 소리, Sonido 그것에 귀를 기울여라.
Sonido - If we define modernism in a word, it will be ‘innovation’. For example, in the Renaissance art, certain rules are found such as themes, compositions, painting styles, and techniques even when we look at the works of different artists. However, in the case of modern art, the works are very much different artist by artist and furthermore even the same artist creates heterogeneous works. Because, as mentioned above, the top priority of modernists was the creation of something that is different from the conventional art. From this point of view, modernists would have valued when they were blamed, despised, and mocked rather than making great artworks that people recognized.
It is ironic that modernists, nevertheless, have become an elite art group than ever because of this pure spirit that places even the status as an artist. In addition, we must think reflectively that the avant-garde attempts and unconventional techniques that modernists did at the time were converging monotonously into an artistic thought by calm analysis and conventional classification at the moment when two centuries have passed, assuming the origin of modernism as the late 19th century impressionism. The contradiction that arises at this point is that the intense self-destruction spirit of modernists at that time was diluted and modernism itself became a cliché, as did the new trends in Renaissance era or later times mannerisms.
If we look at Sunghye Kim’s work in this sense, we can read two allegories of modernism.
First, although early works of Sunghye Kim looked like abstract paintings, they are actually landscape paintings that depicted nature. The work putting natural objects on a canvas always encounters a limitation. The more we try to reproduce nature equally, the less useful any outstanding technic or technology is. The right answer to this problem is abstraction. If nature is the essence, we can capture it fully when abstracting the form and the color of the object.
Second, it is the use of mixed materials. Sunghye Kim used to follow the traditional western painting techniques using canvases and paints. However, the canvas is now just a device for fixing the work, and there may not be a distinction between the top, bottom, left and right of the frame. She destroyed the boundaries between painting and sculpture and paint becomes an optional material rather than a must. There become no limitations of materials or techniques.
The Great Theory, named by aestheticist and art historian Wladyslaw Tatarkiewicz, was a constant formula of beauty that consistently led aesthetic ideology from the 5th century BC to the 18th century. However, due to the hobby theory against the Great Theory and Aesthetic Attitude that brought it to the extreme, we can declare that everything that echoes in our hearts is aesthetic. When you look at her works, you don’t need to find out what the subject or the theme is. Listen to and pay attention to Sonido, the reverberation in the heart
[Exhibition ]
[작품구매문의] 02-747-6943
03083 서울시 종로구 대학로 156 동성100주년기념관내 혜화아트센터 156 Daehakno, Jongno-gu, Seoul, Korea 03083
TEL. 02. 747. 6943 E-mail. sd1402@naver.com
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미국, 상해, 싱가폴, 상하이, 홍콩, 베이징 외
국내·국외 30여회
주요작품소장처
유나이티드 제약회사, 상명대학교, 간호사관학교,
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외 개인소장 다수
현재) 한국미술협회 서초지부회원.
[ Review ]
마음속의 울림, Sonido 글 / 오상희 Ph, D. 시각문화학자
Reverberation in the Heart, Sonido By Sanghee Oh, PhD in Visual Culture Studies
Sonido 모더니즘에 대한 단 하나의 정의를 내릴 수 있다면 그것은 ‘새롭다’이다. 예를 들어 르네상스 시대의 미술을 보면 다른 작가의 작품 속에서도 주제, 구도, 화풍, 기법 등에서 일정한 규칙을 발견할 수 있다. 하지만 모더니즘 미술의 경우 작가 별로 천차만별일 뿐만 아니라, 심지어 같은 작가가 이질적인 작품을 창작하는 경우도 있다. 왜냐하면 앞서 말했듯 모더니스트들의 최우선 과제는 기존 예술의 통념과 차별화되는 독자적인 것의 창조였기 때문이다. 이런 관점에서 보면 모더니스트들은 위대한 예술 작품을 만들기보다는 비난 받고 멸시 받고 조롱 받는 쪽을 훨씬 가치 있게 여겼을 것이다.
그럼에도 불구하고 예술가로서의 지위조차 낮은 바닥에 내려놓는 바로 이러한 순수한 정신으로 인해 결국 모더니스트들은 그 어떤 시대 보다 더 고고한 엘리트 예술집단이 되었다는 점은 아이러니하다. 또한 모더니즘의 기점을 19세기 후기인상주의로 가정했을 때 두 세기가 지난 지금 당시 모더니스트들이 했던 전위적인 시도와 파격적인 기법들은 차분한 분석과 관습적인 분류에 의해 하나의 예술사조로 단조롭게 수렴되고 있다는 점도 반성적으로 사고해봐야 한다. 이 지점에서 발생하는 모순은 당시 모더니스트들의 치열한 자기파괴 정신이 희석되고 과거 르네상스 시대 혹은 그 후기의 매너리즘이 그러했듯 모더니즘 자체가 클리셰로 굳어진다는 것이다.
이러한 문제의식 속에서 김성혜의 작품을 살펴본다면 그 안에서 두 가지 모더니즘의 알레고리를 읽어낼 수 있다.
첫째, 결과물로서 추상화로 귀결된 듯 보이지만 사실 김성혜의 초창기 작품은 자연을 그려낸 풍경화였다. 자연물을 캔버스에 담는 행위는 언제나 한계점에 봉착한다. 우리가 자연을 아무리 똑같이 재현하려고 하면 할수록 어떤 뛰어난 테크닉 혹은 테크놀러지로도 소용없게 된다. 이 문제에 대한 우문현답이 바로 추상이다. 자연이 본질이라면 대상의 형태와 색채를 추상화 할 때 보다 온전히 그것을 담아낼 수 있을 것이다.
둘째, 혼합 재료의 사용이다. 이전의 김성혜는 캔버스에 물감으로 작업하는 전통적인 서양화 양식을 따랐었다. 하지만 이제 캔버스는 단지 작품을 고정시키기 위한 장치일 뿐이며, 액자의 상하좌우 구분이 존재하지 않을 수도 있다. 회화와 조각의 경계를 허물어 물감을 반드시 사용할 필요도 없고 재료의 한계도 기법의 한계도 없다.
미학자이자 미술사가인 타타르키비츠(Wladyslaw Tatarkiewicz)가 명명한 ‘대이론(Great Theory)’은 기원전 5세기부터 18세기까지 미학 사상을 일관되게 이끌어온 아름다움의 일정한 공식들이었다. 하지만 이에 대항하여 일어난 취미론 그리고 그것을 극단으로 끌어낸 미적태도론의 소산으로 우리는 마음속에 그 어떤 울림을 주는 모든 것을 미적이라고 선언할 수 있게 되었다. 김성혜의 작품을 보며 이것이 어떤 대상에 대한 묘사인지, 주제가 무엇인지 찾아낼 필요는 없다. 마음속의 소리, Sonido 그것에 귀를 기울여라.
Sonido - If we define modernism in a word, it will be ‘innovation’. For example, in the Renaissance art, certain rules are found such as themes, compositions, painting styles, and techniques even when we look at the works of different artists. However, in the case of modern art, the works are very much different artist by artist and furthermore even the same artist creates heterogeneous works. Because, as mentioned above, the top priority of modernists was the creation of something that is different from the conventional art. From this point of view, modernists would have valued when they were blamed, despised, and mocked rather than making great artworks that people recognized.
It is ironic that modernists, nevertheless, have become an elite art group than ever because of this pure spirit that places even the status as an artist. In addition, we must think reflectively that the avant-garde attempts and unconventional techniques that modernists did at the time were converging monotonously into an artistic thought by calm analysis and conventional classification at the moment when two centuries have passed, assuming the origin of modernism as the late 19th century impressionism. The contradiction that arises at this point is that the intense self-destruction spirit of modernists at that time was diluted and modernism itself became a cliché, as did the new trends in Renaissance era or later times mannerisms.
If we look at Sunghye Kim’s work in this sense, we can read two allegories of modernism.
First, although early works of Sunghye Kim looked like abstract paintings, they are actually landscape paintings that depicted nature. The work putting natural objects on a canvas always encounters a limitation. The more we try to reproduce nature equally, the less useful any outstanding technic or technology is. The right answer to this problem is abstraction. If nature is the essence, we can capture it fully when abstracting the form and the color of the object.
Second, it is the use of mixed materials. Sunghye Kim used to follow the traditional western painting techniques using canvases and paints. However, the canvas is now just a device for fixing the work, and there may not be a distinction between the top, bottom, left and right of the frame. She destroyed the boundaries between painting and sculpture and paint becomes an optional material rather than a must. There become no limitations of materials or techniques.
The Great Theory, named by aestheticist and art historian Wladyslaw Tatarkiewicz, was a constant formula of beauty that consistently led aesthetic ideology from the 5th century BC to the 18th century. However, due to the hobby theory against the Great Theory and Aesthetic Attitude that brought it to the extreme, we can declare that everything that echoes in our hearts is aesthetic. When you look at her works, you don’t need to find out what the subject or the theme is. Listen to and pay attention to Sonido, the reverberation in the heart
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